今天若米知识就给我们广大朋友来聊聊欧美电影性镜头视频,以下关于观点希望能帮助到您找到想要的答案。
8部英伦古典美学影片推荐l绝美油画质
答《大卫·科波菲尔》（David Copperfield）：这部由阿尔芭特·尼尔森执导的电影改编自查尔斯·狄更斯的同名小说，展现了维多利亚时代英国社会的故事。影片的画面布景和摄影手法呈现出浓郁的古典美感。
《调音师》（The Sound of Music）：这是一部由罗伯特·怀斯执导的音乐剧电影，讲述了一个年轻女子和一家具有音乐天赋的家庭之间的故事。影片中的场景和服装设计充满了古典美学和精致的细节。
《茶花女》（La Traviata）：这是一部由乔治·库基亚尼执导的经典歌剧电影，改编自威尔第的同名作品。影片中的舞台设计和服装呈现出浓厚的古典美学风格，配以梦幻般的油画般的画面质感。
《莫扎特》（Amadeus）：这部由米洛斯·福尔曼执导的电影描绘了音乐天才莫扎特的生活故事。影片通过精美的艺术指导和摄影展现了18世纪维也纳的古典美学风貌。
《第八个妻子》（The Eighth Wife）：这是一部由埃米尔·安德鲁斯执导的电影，讲述了16世纪英格兰国王亨利八世的故事。影片中的场景布置和服装设计展现出古典的美学风格。
《简·爱》（Jane Eyre）：这部由凯瑟琳·海格尔执导的电影改编自夏洛蒂·勃朗特的同名小说，讲述了一个女子在英国维多利亚时代的成长经历。影片中的场景和摄影呈现出古典美学的质感。
《汤姆琼斯》（Tom Jones）：这是一部由托尼·理查德森执导的电影，改编自亨利·菲尔丁的同名小说。影片通过其饱满的色彩和画面构图呈现出独特的绘画质感。
《医生朱利叶斯》（Doctor Zhivago）：这部由大卫·里恩执导的电影改编自鲍里斯·帕斯捷尔纳克的同名小说，讲述了一个医生在俄罗斯革命期间的故事。影片中的雪景和广袤的风景呈现出壮美的油画般的质感。
这些电影都有着独特的古典美学风格和精致的画面呈现，可以给观众带来视觉上的享受和艺术的触动。它们是欣赏古典美学和绘画风格的绝佳选择。
电影中镜头的运用及作用
答1、弧形运动镜头
弧形运动镜头（Arc Shot），顾名思义，摄影机以按照某个圆周以弧形运动所拍摄的镜头，可以为一个场面提供多变化的视觉层次，在电影电视中属于被滥用的镜头之一，对技巧和手法的要求不高，但精通难度大。《变形金刚》导演迈克尔·贝对弧形运动镜头情有独钟。
2、特写镜头
特写镜头（Close Up），最早由导演格里菲斯等人创造，用来拍摄人像的面部，人体的某一局部，物品的某一细节。它的出现和应用丰富和增强了电影的表现力，也是镜头美学最重要的一环，同时，也是观众最喜欢也最容易记住的镜头手法。
3、中景镜头
中景镜头（Medium Shoot），画框下边卡在膝盖左右部位或场景局部的画面称为中景画面，中景镜头所包容的景物比全景少，比特写多，环境处于次要地位，重点在于表现人物的上身动作，在影视作品中中景镜头的比重较大，因为镜头的叙事性较强。
4、远景镜头
远景镜头（Long Shoot），具有广阔的视野，常用来展示事件发生的时间、环境、规模和气氛，比如表现开阔的自然风景、群众场面、战争场面等等，重在渲染气氛，抒发情感。在远景画面中，不注重人物的细微动作，但却可以通过承上启下的组接含蓄地表达人物的内心情绪。
5、深焦镜头
深焦镜头（Deep Focus），利用焦距将前景，中景，近景等全部景深融入到镜头到中，在电影构图中，往往寻求最大景深，把所有细节都在镜头里毕露无遗。影史上最早也是最著名的深焦镜头摄影大师当属格雷格·托兰德，他和大导演奥逊·威尔斯是深焦镜头的鼻祖。
6、仰拍镜头
仰拍镜头（Low Angle Shot），摄影机从垂直位置上低于多数被摄对象位置拍摄的镜头，往往可以使得画面中主体人物显得更加高大，当然，仰拍镜头的应用不止于此，关键在于这种低角度的拍摄和电影画面的具体情节相结合，比如拍摄小孩等等。
电影史上，有哪些精致复杂的场面调度？
答《巴里林登》影片拍摄于1974年，没有电脑特技。全篇任何一个截图似乎是一幅中世纪油画，特别借鉴了洛可可主义英国的肖像及风景画家根兹伯罗(Gainsborough)的作品。影片中选用的服装都是真实的古代服装，有些古代服装的确是服装设计师Milena Canonero从拍卖会借过来的货真价实的古董。F0.7镜头，传奇的全自然光烛光，从头到尾一丝不苟极趋沉闷的中心构图、调度、剪接、推进，一直到配乐的发挥和标准的两段结构。片拍摄所采用的几乎全部是自然光线例如烛光，仅个别镜头采用人工照明。蜡烛光照度低，为了寻找适合低照度的镜头，摄像师在全球各地奔波了三个月，镜头最后采用的是美国太空署用来拍摄月球的50毫米蔡斯镜头，因为镜头体积过于庞大，库布里克还专门从美国请来工程师改造了摄影机。
哥特电影的美学体现在哪里呢？
答为什么会有这么多电影表现哥特文化呢，而且相当一部分的哥特电影取得了广泛而鉴定的认可。这样非同寻常的影响力与受众力度必定具有着深刻的心理根源和美学基础。《沉睡谷》中的小镇沉寂、静默，似乎陷入永恒的睡梦当中。街上空无一人，只有氤氲的雾气从河边的芦苇丛中缭绕开来，这样的场景让人会立刻产生可怖而紧张的情绪。美国现代著名哥特小说作家洛夫克拉夫特说：“人类最古老最强烈的情感是恐惧。”达尔文的《动物的表情》一书中也描述过当人感觉到恐惧时的状况：全身兴奋，眼睛闪亮，荷尔蒙分泌增多。这说明恐惧体验和兴奋体验对人产生的感觉是一样的，的确能给人带来快感。而在观赏电影时。观众既能在幻觉中置身险境。但又从心底知道危险不会真的降临在自己身上，所以便能感到强烈的愉悦。
与恐惧相关的美学基础被称为“壮美”，壮美与秀美相似，但又完全不同。壮美是心灵被物件或情感突然征服时体验到的“一种愉悦的恐怖”，一种“带着恐惧的静谧”。正如上文所说的恐惧的心理根源，壮美是有惊无险的，它带给人的是恐惧的战栗，以及意识到自己全然安全的愉快。关于能体现壮美的场景，伯克最中意的例子是茫茫海上的暴雨滂沱，而黑暗的森林、空旷的深洞、矗立的悬崖峭壁、亘古的荒原也能产生同样的壮美感。
相对于自然界，人造物只要足以引起敬畏，也可以是壮美的，例如埃及金字塔或年代久远的古堡。这样就很好理解电影中特有的哥特场景缘何具有巨大的吸引力了，《加勒比海盗》就非常好创造了这样的壮美，波澜壮阔的大海，伸手不见五指，电闪雷鸣，海浪翻滚咆哮，人在其中渺小如沙，这也是为什么它能出到第五部的原因、
《西西里的美丽传说》：开头段蒙太奇分析
答周传基老师不止一次提到过，在西方，电影名词起源与运动是分不开的，运动的画面对于观众的生理与心理上来说都具有不可抗拒的吸引力，电影本身就是运动，任何令观众感到乏味的电影，一定是在拍摄中没有处理好画面内容上下左右纵深三维方向的运动。《西西里》独具一格的原因，实在是因为在电影起源地欧洲上成长起来的朱塞佩多纳托雷导演对电影运动本质的深刻掌握。而运动，则构成《西西里》中蒙太奇运用的基本逻辑。
《西西里》的开场既是一个缓缓地降镜头，勾勒出西西里岛二战前期的小镇一隅，同时一辆军车载着高声宣传二战的军官由画面深处缓缓驶来。
这一个镜头已经包含上下纵深方向的运动，打破单一的二维平面空间，符合电影的运动美学需要。镜头结束时左右方向运动出现，军车右转向，同时近处路人在镜头前的一个遮挡，影片毫无剪辑痕迹的过渡到第二个镜头。
旁白于此时出现，并承担起起串联第二第三两镜头的重任。声音在蒙太奇剪辑中一直有着不容忽视的功用，导演在后半段还有应用。
在修自行车那场戏中，先给一个交代三人对话场景的关系镜头，同时利用当下一个镜头起幅吸引力大于上一个镜头落幅能自然擦出剪辑痕迹的理论，给修车大爷一个下蹲的动作自然衔接到小男主角的全景。再之后父亲的眼神跟老大爷搭上，形成轴线，一组正反打自然接上。
之后的一组镜头显得典型有趣。当然，所有的镜头都包含着自右向左的水平运动，剪辑顺势以此为骨架安排镜头。先是小主人公骑着自行车自右向左行来，下一个缓慢的升镜头因为画面内自右向左移动的人群与上一个镜头完美衔接。第三个镜头本身既是自右向左运动着的。越过本段中刺眼的第四和第五两个透过旗帜摄向群众镜头，你会发现之后的小男孩骑车子的段落依旧遵循着自右向左的运动原则，剪辑依旧舒畅无比。
值得注意的是接下来的几个镜头。
诚然有惯用的镜头前遮挡这种擦出剪辑痕迹的手法，前两个镜头还有升镜头这种运动方向的吻合，但最终撑起整个叙事剪辑的却是影片中的不间断的声音。不论是群众的欢呼声还是广播的声音都使得镜头与镜头之间的组接合理化。上面三个镜头出现，因为广播声音的关系，观众会不由自主的想要探寻声音的来源，因此注意力绝对会放在音响上，这时像第三个镜头那样景深变化因为突出了观众一心探寻收音机而使其忽略镜头剪辑，自然的实现了剪辑痕迹的擦除。
声音的妙用还在于它可以作为时空的标杆。本小节的后半段，影片进入交叉剪辑阶段，小镇、男孩、玛莲娜、炙烤蚂蚁的小伙伴四个时空交错在一起，正是因为连续不断的广播的声音，才使得观众能够清楚的感知到这是在同一时间不同空间内发生的事件，给了本段交叉蒙太奇一个合理逻辑。
交叉剪辑之后，男孩的时空终于与小伙伴们的时空相遇，叙事线归一，经典的好莱坞三镜头法出现。视线对上，轴线形成，正反打开始。
本部电影多次运用正反打，最经典的一次运用在男孩第一次见到玛莲娜之时。
如果说镜头越多，戏剧张力越大，情结越接近高潮，玛莲娜的出场无疑掀起了一个小波峰，一段玛莲娜走过小男孩们的戏，导演运用正反打，带关系越轴，整整剪出14个镜头。
之前介绍的镜头都属于叙事蒙太奇的范畴，镜头前后具有衔接性，连接方式不外乎镜头运动方向一致，镜头内部被摄物体运动方向一致，视线相遇自然发展出来的正反打，下一个镜头的起幅吸引力大于上一个镜头落幅的吸引力，遮挡等等方式。电影百年发展总结出的主流剪辑手法几乎都可以在这部影片中找到经典案例。相较于剪辑风格略显沉闷的《海上钢琴师》，《西西里》可以说快了太多太多。不过，平行蒙太奇也好，交叉蒙太奇也罢，都是为叙事做准备的，那么，第一小节主要讲了什么呢？
很简单，主要两件事。第一，二战即将爆发，墨索里尼政府宣布参战，意大利即将陷入战争泥潭。这是美丽传说的时代背景。第二，男主角和女主角相遇。还记得前面提到的不和谐的两个镜头吗？
这两个镜头显然并不属于之前连贯的叙事蒙太奇的那组镜头中，放入其中甚至有些突兀。实际上，这两个镜头属于非叙事性蒙太奇。不妨结合本小节的叙事目的解释。第一小节前半段，主要想告诉我们，二战快开始了，轴心国之一的意大利即将步入战争泥潭。但贯穿始终的欢呼声似乎在提醒着观众，意大利的民众对此并没有反抗、恐惧等情绪，相反的，人们居然沉浸在亢奋中。这两个非叙事性蒙太奇镜头显然暗喻着，意大利民众，已经被墨索里尼政府代表的法西斯主义所笼罩，变得好战偏激不理智。
同样的，在交叉蒙太奇段落中，属于玛莲娜的镜头与其他镜头也并不和谐。
这三个片段虽然依旧以广播声作为串联，但是因为未遵守其他镜头自右向左的运动逻辑而跳脱开来，象征意义大于实际意义，因此把它归在非叙事性蒙太奇蒙太奇中，看似与本段叙事毫无关联，实际上内在有着深刻意义。
依旧结合叙事分析，接下来的任务就是让男女主人公相遇。而电影中重要人物出场必然要精心且特别。于是，导演为玛莲娜安排了一个极隆重的出场。秀发、高跟鞋、丝袜，恐怕一个正常男人对女子的所有关于想象都在于此，一个美丽女人致命杀伤力也近在于此。这三个符号化的片段概括出玛莲娜全部的特征，美丽。甚至人们还未见到她本人全貌，美丽的种子便悄悄埋在观众心底。有此铺垫，我们的小男主人公初见玛莲娜便为其倾倒，甚至整个小镇的男人都为其倾倒，虽然表现形式是荒诞的，但逻辑上却合情合理。
在这里，非叙事性蒙太奇为叙事性蒙太奇做出了有理、有趣的补充。
最后想说的是，朱塞佩多纳托雷导演一直凭电影中满满的温情取胜，并非以独特的剪辑风格或新颖的蒙太奇手法见长。观看他的片子，能带来震撼的永远是情怀而非技巧。欧洲一向大师汇聚，艺术片盛行。朱塞佩多纳托雷导演的片子与之相比似乎略显直白，但就是用这样简单的叙事手法，他偏偏能拍出令人仰望的高度，别具一格的风情，这就是他的厉害之处吧。
接受生活中的风雨，时光匆匆流去，留下的是风雨过后的经历，那时我们可以让自己的心灵得到另一种安慰。所以遇到说明问题我们可以积极的去寻找解决的方法，时刻告诉自己没有什么难过的坎。若米知识关于欧美电影性镜头视频就整理到这了。
